Annick b. Cuadrado

Vit et travaille à Paris.

Annick b. Cuadrado est une artiste française, influencée par le Pop’Art, les Nouveaux Réalistes, et la Figuration Narrative. Elle s’interroge sur l’environnement publicitaire et sur son impact visuel sur la société. Inspirée par les marques qui peuplent notre imagerie collective, elle décline les standarts de notre époque consumériste. Pour ce faire, elle utilise des matières nouvelles, telle la peinture céramique sur toile ou Plexiglas®, pour donner l’aspect et la brillance d’une toile cirée. La matière est noble, interactive, puis lavée d’un coup d’éponge.

Ses tableaux, ludiques et colorés, réveillent les goûts et les souvenirs d’enfance de chacun.

Déborah Sportes

Issue d’une génération en peine révolution, celle des années 70, Déborah Sportes, artiste peintre, nous offre depuis 2001 la force toujours renouvelée de ces créations picturales contemporaines. Pourtant ses œuvres auraient pu rester cachées à jamais dans les oubliettes de sa mémoire si une bonne fée de ses amies (d’enfance…) n’avaient eu les arguments décisifs pour convaincre l’artiste réservée et modeste à l’excès de nous faire partager son art. Elle aura attendu près de 10 ans avant d’oser montrer son travail. Il était temps! Elle ne pouvait nous priver d’avantage de la possibilité d’apprécier ses nombreuses qualités artistiques… Démarrage en trombe dans le monde de l’art, les expositions s’enchaînent très vite…

Sa sensibilité à fleur de peau est le moteur de son histoire picturale… La vie, son inspiration majeure qu’elle applique par touches délicates ou sauvages sur la toile. Son style personnel est remarquable par les couleurs, les matières et les textes qui se mêlent, s’entrelacent et s’étalent sur ses toiles enchantées. Son passage au noir et blanc alimente une collection déjà riche et dont l’objectif inconscient va à l’essentiel, épurant pour un temps les diverses représentations de son œuvre. Particulièrement sensible à l’art contemporain, plus qu’aux classiques du genre, cette artiste nous fait partager avec délicatesse ses sentiments profonds et sa vision particulière du monde. Paris, New York, Shangaï, lieux mythiques par excellence dans le monde de l’art où la culture passe les frontières du conventionnel, qui savent apprécier le travail riche et plein de vie de cette artiste hors pair.

Toujours en mouvement, hyper active qui se reconnaît elle-même en tant que telle, Déborah Sportes transmet cette énergie dans nombre de ses toiles. Un plaisir pour nos yeux séduits et toujours surpris par l’art pur et sincère de cette autodidacte qui nous guide dans le spectacle subtil d’une création toujours renouvelée. Sensibilité, spontanéité sincérité… C’est la marque de fabrique de cette jeune femme qui n’a pas fini de nous surprendre et pour qui respect et liberté restent les valeurs primordiales de l’être humain. Retenez bien ce nom, Deborah Sportes artiste peintre dont l’art est depuis plusieurs années, synonyme de générosité, force et talent.

Fred Bred

Un travail pictural ludique et onirique, une extension de l’univers nostalgique tirée de l’iconographie publicitaire d’antan. Prolongeant les principes du Pop Art, son œuvre résolument figurative, s’inspire des motifs de la communication de masse (logos, slogans, identités visuelles). Sa démarche spontanée se déploie sans limites dans la couleur et les formes au point d’envahir et saturer l’espace.

Il crée ainsi un univers Kaléidoscopique, peuplé de personnages et de produits déracinés de leurs supports d’origine (affiches publicitaires, journaux, BD...). Des héros de mangas japonais aux pin up et ménagères des années 50, son monde explose littéralement pour faire triompher une vision joueuse et délibérément artificielle de la société. Fred Bred met en scène l’esthétisme incongru des produits de consommation, en les sortant de leurs milieux habituels et en les démultipliant, il joue dans l’acid pop.

Ces produits de l’éphémère, sans poésie, destinés en principe à l’oubli deviennent des objets culte. Une façon pour ce fétichiste des brocantes de sauver ces traces du passé de l’oubli.

Jean—Christophe Martinez

Artiste français de 43 ans, Jean-Christophe Martinez s’inscrit dans la tendance New Pop en se situant dans la continuité des deux dernières grandes tendances picturales du siècle: le Pop Art et la Figuration Narrative.

Il témoigne d’un besoin irrépressible de tout réinventer, son défi étant de réussir à créer une nouvelle résonance picturale. En s’emparant des icônes chères à Andy Warhol et en captant la force graphique d’un Rauschenberg ou d’un Villeglé, Jean-Christophe Martinez nous restitue une œuvre novatrice, sensible et troublante à la fois. Pour créer ses œuvres, Jean-Christophe Martinez utilise des fragments d’images récoltés au cours de ses différents voyages; et particulièrement aux Etats-Unis, où il photographie des symboles urbains tels que tags, enseignes publicitaires ou affiches décollées, qui serviront de base à ses futures compositions.

Cette juxtaposition d’éléments disparates, ou l’improvisation n’est qu’apparente, cache une grande maîtrise graphique et picturale ou les lignes de forces de chaque composition sont savamment et patiemment ciselées.

Richard Orlinski

a vécu dans le quartier du Marais, son enfance a été jalonnée par l’effervescence artistique et cosmopolite qui le caractérise. Cet engouement pour l’art sous toutes ses formes a certainement été influencé par un facteur d’importance mais qu’il a tendance à minimiser : le syndrome d’Asperger. Autrement dit une forme très légère d’autisme qui ne facilite pas le rapport avec les autres mais qui favorise l’introspection et le recul sur l’environnement extérieur. Plutôt que de devoir le subir et en être la victime consentante, Richard Orlinski en a fait une force et, avec le temps et l’expérience, transformer ce qui aurait pu être un handicap en un moteur puissant d’emotion et d’action.

Aujourd’hui il n’en parait rien, l’homme est posé, équilibré avec cette pointe d’humour dont la vie vous fait grâce quand fort d’avoir affronté des épreuves, vous en êtes arrivé à bout.

Stéphane Gubert

La découverte du travail de Jean Dubuffet et notamment sa période de l’Ourloupe a été pour moi une véritable révélation. Je me retrouve entièrement dans l’idée que l’art doit être avant toute chose un acte créatif et doit pour cela se détacher au maximum de la technique qui avec l’apprentissage pervertissent la création pure. Le but final est d’offrir une peinture simple, populaire, une peinture accessible à tous sans code et non réservée à une " élite ". C’est pourquoi mon travail graphique se limite à balancer des aplats de couleurs qui frappent et retiennent le regard , sans effet trompeur et superflu. Mon travail témoigne du quotidien, des gens, leurs petits bonheurs, leur violence, leur grandeur, leur ridicule sans apporter de jugement tout en y ajoutant une touche de folie et d’extravagance.

Les personnages centraux de mes peintures naissent de la culture populaire, BD, livres et images pour enfant, du graffiti, de l’ambiance punk-rock et de tout ce qui est accessible au plus grand nombre. Un travail modeste et sans complexe.

Kokian

Considéré comme le nouveau Basquiat, comparé à Picasso ou Jansen, Kokian est l’artiste dont le Tout-Paris Arty parle aujourd’hui. Après une première période de tags et graffitis à Paris, l’artiste des Rues fugue à New-York. Là, entre les murs de la ville et ceux du métro, il invente son style.

Depuis, son œuvre ne cesse de grandir… Kokian marquant son territoire avec des slogans revendicatifs, hurlant ses incompréhensions et ses interrogations ou tentant de secouer les préjugés et faux-semblants de notre société. L’expressionnisme urbain de Kokian : un Genre à part, décalé, drôle ou inquiétant, mais qui suscite pleins d’échos.

Chérif et Geza

Il n’y a pas plus libre qu’une expression sur un mur

KRM est un couple d’artistes franco-allemand qui réalise des murs imaginaires sur bois. Leur concept et style de peinture ESPRIT DU MUR est un art urbain iconoclaste et rebelle, basé sur la tragédie humaine et la complexité de l’être.

L’ESPRIT DU MUR révèle un portrait de la vie citadine et exprime librement des contradictions intérieures, la souffrance et la joie. Travailler à quatre mains est leur spécificité, l’ « artiste Dieu » n’existe pas : Ils enrichissent leurs supports par la pulsion et la superposition jusqu’à ce que l’éphémère se stabilise. Le final est un enchevêtrement de couleurs, d’émotions et de techniques différentes. L'œuvre témoigne d'une actualité contemporaine et traite des sujets et questions sociopolitiques. Chaque tableau se termine par un pochoir au nom de KRM où figure un chien en marche. KRM est leur signum.

Harold Martin

Né en 1976 à Caen. Vit et travaille à Paris.

Diplômé de l’école d’arts appliqués de Valence et de l’école des Beaux-arts de Caen.
Harold Martin, peintre hyperréaliste, montre un réel talent à rester fidèle au modèle qu’il désigne mais s’attache à l’exagérer. L’artiste utilise exclusivement le pinceau sur de très grand format. Les formes sont épurées en aplats de peinture léchée sans aucun relief.
La peinture de Harold Martin, solidement construite et composée joue avant tout sur le registre de la démesure. A cette démesure l’artiste rattache la puissance et le pouvoir qu’exerce l’objet culte dans notre société de consommation. Les tableaux de Harold Martin restituent des accents de performance dans la charge de travail et de recherche dont ils ont été imprégnés.
Bienvenue au royaume de la « surenchère ostentatoire » !

KINKI TEXAS – Holger Meier

Vit et travaille à BREMEM - ALLEMAGNE

« Ce n’est pas de l’art de la rue, ce n’est pas un arrière-goût pop vague ou encore un neo-pop de retour. Ce n’est pas de la peinture maîtrisée, née exprès pour rentrer dans un musée. Finalement ce n’est pas de l’art conceptuel et ce n’est pas non plus de l’art brut. Ce n’est pas un jeu vidéo même si parfois il en assume les ressemblances et enfin ce n’est pas du tout de la vidéo art. ; Ce n’est rien d’autre que le Kinki-Texas-Space. »

Traduit de l’Italien - ALESSANDRO RIVA

« Un excentrique, raffiné et anarchiste passionné du rock. Passionné de l’animation tridimensionnelle. Spécialisé en installations vidéo musicales. Passionné des films western au point de choisir en guise de pseudonyme irrévérent le nom de Kinki Texas. Holger Meier, alias Kinki Texas, veut créer autour de lui un désordre programmé. Ce qui ressort de ses tableaux est que Meier est tout d’abord un peintre. Dans la signification la plus pure du terme. Malgré les apparences et l’air border-line qu’il s’est construit, Kinki Texas offre, à travers la peinture, la certitude d’être une personne très raffinée et très sensible...
Il enchaîne des furieux rodéos imaginaires, hallucinants et foudroyants, pour composer des œuvres très délicates, féeriques et ornementales. Voilà la véritable puissance de sa peinture. »

Traduit de l’italien - PAOLO MONAZZA

WILLIAM SWEETLOVE

Né à Ostende en Belgique en 1949

Pendant la triennale d'Art Contemporain à Knokke en Belgique, William Sweetlove rencontre le collectif d'Italie du Nord « The Cracking Art Group ». Malgré leur indépendance et leur disparité, ils ont des références en commun, empruntées au Dadaïsme, au Surréalisme, au Pop Art et autres sous cultures. Le matériel de base utilisé dans leurs oeuvres est une sorte de plastique produit par une réaction thermique (cracking) de ce dernier dans de l'huile crue.

Ensemble, ils croient en l'impact social de l'art à travers des stratégies teintées d'ironie. Dans leur manifeste, ils plaident pour une nouvelle vision du monde, une plus grande conscience écologique et pour la création d'un nouveau souffle, comme antidote d'une société qui produit et consomme trop. William Sweetlove, scientifique de formation, pense que seuls l’art et la science pourront « sauver » le monde. La reproduction, le clonage à bon escient font partie de ses recherches ainsi que la fossilisation. Il est innovateur et s'exprime au moyen de peintures, installations et sculptures à travers différents matériaux et formes comme par exemple, caches, tissus, photos immergées dans le polyester et natures mortes de fruits artificiels tâchés de peinture.

Depuis 1994, les travaux de William Sweetlove ont été exposés dans les foires d'art, galeries et musées à travers le monde.

CRACKING ART

Omar Ronda (1947 – Biella / Italie),
William Sweetlove (1948 – Ostende / Belgique),
Renzo Nucara (1955 – Crema / Italie),
Marco Veronese (1962 – Biella / Italie),
Alex Angi (1965 – Cannes / France),
Carlo Rizzetti (1969 Bruxelles / Belgique),
Kicco (1969 Biella / Italie).

Collectif de sept artistes qui travaillent avec des matériaux dérivés des hydrocarbures (grâce au « cracking » procédé industriel qui transforme le pétrole, matière organique, en plastique, matière synthétique).

Omar Ronda, fonde le groupe au milieu des années 90 avec le « manifeste de fin de millénaire » où l’engagement en faveur de l’environnement va de pair avec la volonté de renouvellement des médias de l’art :
«le matériau» d’élection des Cracking Art est le plastique qui contient tout le vécu de la planète, naturel / artificiel, ancien / futurible.
« Nous cherchons en lui les origines archaïques – anthropologiques végétales, animales – pour bâtir une nouvelle iconographie ».
Ils réalisent des installations, des mises en scène spectaculaires d’espèces animales menacées,moulées en plastiques par milliers : par exemples les tortues à la Biennale de Venise en 2001.